El descubrimiento del gres japonés, y más concretamente de los chawan, boles para el té, propició la renovación de la cerámica en la Europa de finales del siglo XX. Representó un verdadero choque para los artistas, puesto que su estética de la "imperfección" era lo opuesto a la cerámica europea de la época. Permitió a los ceramistas franceses y luego a los belgas liberarse de las convenciones historicistas. El carácter artesanal y singular de estos objetos de arte seguía los fundamentos del Art Nouveau y representaba un medio de oposición al arte industrial.

Artistas franceses como E. Chaplet, J. Carriès o A. Dalpayrat abrieron camino. Sus investigaciones les llevaron a experimentar con los esmaltes y las formas, siguiendo el ejemplo de los maestros ceramistas japoneses. Sus obras se expusieron de forma notable en las exposiciones universales, en el Cercle des XX y en el salón de La Libre Esthétique de Bruselas.

Artistas belgas como A. W. Finch, O. Coppens y A. Craco se lanzaron a la cerámica bajo la influencia de las ideas Arts & Crafts. Encontraron un ejemplo a seguir en la obra de ceramistas franceses y japoneses. Sus técnicas y concepciones estéticas son a la vez personales y con un espíritu cercano al de los chawan.

El Museo de Artes Aplicadas de Budapest presenta "Lirios nacidos de una roca yerma", una exposición de mobiliario modernista (1896-1914), empezando por el Art Nouveau húngaro e incluyendo los diseñadores más importantes del estilo de Ödön Lechner. Se pueden contemplar los diseños para el mobiliario original del museo, las butacas diseñadas por Marcell Komor para el Ayuntamiento de Subotica o los magníficos diseños de mobiliario que Ödön Faragó diseñó para la galería de la reina Elisabeth en el Castillo de Buda.

Muchos diseñadores modernistas húngaros sintonizaban con las tendencias internacionales del nuevo estilo, y las obras de Frigyes Spiegel, Pál Horti, József Rippl-Rónai u otros maestros húngaros desconocidos, muestran la influencia del Art Nouveau francés, del Jugendstil alemán, la Secession vienesa o las Arts & Crafts de Gran Bretaña. El museo recuerda también el Taller Arts & Crafts de Gödöll?, con sus figuras y seguidores principales -Ede Toroczkai Wigand, Aladár Körösf?i Kriesch, Béla Pálinkás o Károly Kós-, comprometidos en encontrar una "fuente pura", que descubrieron investigando el arte popular, con un estilo nacional que se mostraba más fielmente en sus obras que en el arte de Lechner.

La muestra finaliza con los precursores de las tendencias que encontramos entre las dos guerras mundiales -los últimos diseñadores modernistas que precedieron el Art Déco y otros movimientos modernos-, donde destaca el arte de Béla Lajta, que diseñó el mobiliario de la tienda de música Bard en el estilo modernista húngaro, las sillas del Instituto para Invidentes usando formas del arte popular húngaro, y la Escuela de Comercio de la calle Vas con un estilo propio que ya apuntaba hacia el Art Déco. Los rasgos característicos del Modernismo tardío se muestran también en las piezas de Lajos Kozma, József Vágó, Miklós Menyhért o Dénes Györgyi.

La exposición incluye un centenar de piezas de mobiliario provenientes de museos y colecciones privadas húngaras y extranjeras, así como ciento veinte fotografías, planos y bocetos de archivo.

La Obra Social de la Caixa Catalunya, os transportará a uno de los períodos más fértiles de la cultura y del arte de la Barcelona del fin del siglo XIX, cuando la ciudad pasó a ser escenario privilegiado del Modernismo.

La exposición consta de unas 90 obras del modernismo catalán de autores como Gaudí, Domènech i Muntaner, Josep Llimona, Eusabi Arnau, Pablo Gargallo, Santiago Rusiñol, Ramón Casas, Isidre Nonell, Joaquim Mir, Miquel Utrillo, Josep Clarà, Alexandre de Riquer, Lluís Masriera, entre otras. Las obras, en pintura, escultura, mobiliario y artes decorativas, provienen del fondo del "Museu Nacional d'Art de Catalunya".

Las últimas investigaciones realizadas por el Instituto Mathildenhöhe-Darmstadt son el resultado de la extensa retrospectiva de la obra de Joseph Maria Olbrich que se inaugurará en Darmstadt a principios de febrero de 2010. La muestra "Joseph Maria Olbrich 1867-1908, arquitecto y vertebrador de la modernidad temprana", está comisariada por la doctora Regina Stephan, profesora de Historia de la Arquitectura de la Escuela Técnica Superior de Mainz, con la colaboración del Leopold Museum de Viena.

Los estudiosos de la obra de Olbrich le consideran el gran modernizador del mundo y de las formas de vida, pero debido a su muerte prematura y a la destrucción de muchas de sus obras durante la Segunda Guerra Mundial, su obra quizás no tuvo el eco internacional de otros artistas de su época, como por ejemplo Henry van de Velde, Josef Hoffmann o Peter Behrens. Por ello, los promotores de la exposición y del libro pretenden dar a conocer al gran público la importancia del legado artístico que Joseph Maria Olbrich dejó en Darmstadt y en otras ciudades como Viena y Renania hacia los años 1900.

Esta gran retrospectiva se ha hecho realidad gracias a las últimas investigaciones que se han podido desarrollar a partir del interés creado hacia este gran arquitecto y diseñador durante las conferencias internacionales organizadas en el Mathildenhöhe-Dramstadt en ocasión del centenario de la muerte de J. M. Olbrich (véase el núm. 11 de coupDefouet). La exposición incluye la reconstrucción de los proyectos de Olbrich, a través de bocetos originales, modelos, fotografías históricas y múltiples objetos de ámbitos tan diversos como el diseño gráfico, el mobiliario, la artesanía y el arte textil.

La muestra, que podrá visitarse del 7 de febrero al 24 de mayo de 2010 en el Instituto Mathildenhöhe-Dramstadt, incluye unos días especialmente dedicados a la familia del 20 al 25 de abril, y en este último día, un itinerario de juegos para los más pequeños.

El Art Nouveau se presenta con razón como una ruptura con los estilos del pasado, en vistas de promocionar un marco de vida "moderno" basado en la renovación de las formas y del decorado. En cuanto a la realización sin embargo, y ello a pesar de sus aspiraciones sociales, se apunta en la tradición de investigaciones técnicas, a menudo onerosas, que hicieron el renombre de las industrias del lujo francesas, a lo largo de todo el siglo XIX, y hasta los primeros años del siglo XX.

Tanto los objetos como los dibujos preparatorios presentados en esta exposición, testimonian el refinamiento del arte de vivir, alcanzado durante este periodo por las manufacturas y los creadores franceses.