El redescubrimiento de las mujeres artistas de la modernidad vienesa se inició a principios del 2019 con la exposición "Ciudad de mujeres" en el Bajo Belvedere. En el 2020, el Belvedere continúa su trayectoria dedicando una exposición a Elena Luksch-Makowsky, una de las protagonistas centrales de ese período. A principios del siglo XX, se podían encontrar obras de esta artista en todas las principales instituciones y medios artísticos vieneses, incluyendo Ver Sacrum, los Wiener Werkstätte, la Secession y la Galería Miethke.

La exposición está dedicada al artista visual y arquitecto noruego Harald Krohg Stabell (1874-1963), que vivió y trabajó en Ålesund durante el período de reconstrucción después del incendio de la ciudad en 1904.
La muestra presenta dibujos arquitectónicos, acuarelas y grabados en madera con motivos de Ålesund y sus alrededores.

El mosaico de trencadís es una de las imágenes que mejor identifican la obra de Antoni Gaudí. En el Modernismo, la arquitectura representa la síntesis de todas las artes y, gracias al uso adecuado de la ornamentación, se genera una rica combinación de formas, volúmenes, texturas y también de colores -un color que viene dado, sobre todo, por el uso del mosaico de cerámica y vidrio.

Esta exposición quiere explicar el origen y evolución del trencadís que acaba en un proceso de deconstrucción de esta técnica, descubriendo la materia prima a partir de la cual se compone. Así, se presentan piezas originales y réplicas junto a fotografías, de forma que se pueden identificar una gran parte de los materiales empleados.

En ocasión del 150 aniversario de Adolf Loos (1870-1933), el MAK presenta una exposición que ha sido desarrollada en colaboración con el Albertina: "ADOLF LOOS: viviendas privadas". A lo largo de su vida, Loos se dedicó a las viviendas privadas y públicas. Esta muestra se centra en las privadas y presenta dibujos de diseños, planos, fotos y maquetas de sus casas unifamiliares, villas y casas de campo, la mayoría lujosamente amuebladas. Como contraste, la presentación incluirá también proyectos sociales revolucionarios, tales como edificios para la municipalidad de Viena.

Los Museos de Sitges han preparado una serie de actividades, presenciales y virtuales, pensando en todo tipo de público para dar a conocer las mujeres artistas de los Museos de Sitges.

Un reconocimiento a las mujeres que han formado parte de las historias dentro del museo con la creación de obras o como inspiradoras de arte. Pero también aquellas mujeres que han contribuido a la construcción del entorno, del territorio de la sociedad y cultura de Sitges.

El III Simposio Lluís Domènech i Montaner, dedicado al arquitecto catalán Lluís Domènech i Montaner, se centra temáticamente en las restauraciones de sus obras que se han llevado a cabo en los últimos años.

Con una periodicidad bienal y con carácter itinerante, el Simposio pretende ser un punto de encuentro y comunicación entre investigadores, agentes e instituciones interesadas en el legado de Domènech i Montaner.

El Simposio es una actividad promovida por la Taula Lluís Domènech i Montaner, integrada por los ayuntamientos de Barcelona, Reus y Canet de Mar, por el Centro de Estudios Lluís Domènech i Montaner (CEDEMOS) y la Fundación Lluís Domènech i Montaner.

Las plazas presenciales del Simposio están agotadas, pero lo podréis seguir en directo por retransmisión en línea (streaming). Encontraréis el enlace del canal de YouTube a www.rutadelmodernisme.com.

Con motivo del 70.º aniversario de la muerte de Otto Prutscher, esta exposición destaca la importancia de su obra para el desarrollo de la Era Moderna vienesa. La muestra está dedicada a la asociación de Josef Hoffmann (1870-1956) con Otto Prutscher (1880-1949). Arquitecto y diseñador, igual que Hoffmann, Prutscher fue experto en todos los materiales utilizados en las artes aplicadas. Era diseñador de exposiciones, maestro y miembro de los principales movimientos de reforma artística desde la Secession a los Wiener Werkstätte y el Werkbund.

La muestra itinerante "El Modernismo y las flores. De la naturaleza a la arquitectura" está dedicada a la representación de plantas y flores aplicadas a la construcción a través de las artes decorativas del Modernismo. Por primera vez una muestra establece un diálogo entre el mundo vegetal y la arquitectura modernista. El discurso expositivo se estructura en cuatro ámbitos. En el primero se explica el proceso creativo que hacían los artistas para "capturar" las imágenes de las flores. En el segundo se realiza un recorrido por ocho artes aplicadas a la arquitectura cerámica, mosaico, hierro, piedra, estuco, mosaico hidráulico, vitral y enyesado y sus procesos de creación. En el tercer ofrece un paseo expositivo de flores y plantas que recrean un jardín gigantesco e inmutable. Finaliza con el planteamiento de la dificultad en la conservación de las artes aplicadas a la construcción.

La muestra está comisariada por Fátima López, Marta Saliné y Vicente de la Fuente, doctores, en Historia del Arte y miembros del grupo de investigación GRACMON de la Universidad de Barcelona.

El Palacio Güell presenta hasta el 30 de mayo de 2021 una exposición dedicada al pintor Aleix Clapés. El artista barcelonés (1846-1920) fue, durante muchos años, compañero inseparable de viaje y el pintor predilecto de Eusebi Güell y de Antoni Gaudí. Artista de una potencia expresiva extraordinaria, fue también el pintor por excelencia del Palacio Güell, el único que intervino en la decoración primigenia del edificio, tanto en el interior como en el exterior.

La muestra presenta una de las obras más destacadas de Aleix Clapés, que se creía desaparecida desde hace más de un siglo. Se trata de El peón (ca. 1886), que ha sido descubierta durante la preparación de esta exposición. Tal como explican los historiadores del arte Carlos Alejandro Lupercio y Josep Casamartina, existe una leyenda familiar según la cual León Trotski habrá comprado la obra en París en 1920 y la habría enviado al Kremlin. Hoy se sabe que el cuadro no salió de Barcelona.

Esta nueva edición de la Feria del Modernismo de Barcelona, dedicada al artista polifacético Alexandre de Riquer, está organizada de forma presencial y virtual para que todos los que lo deseen puedan participar.

Una novedad de este año es el web de la Feria del Modernismo de Barcelona: http://www.firamodernistadebarcelona.cat, desde donde podéis consultar todas las actividades (presenciales y virtuales) y seguir eventos en línea: vídeos de edificios modernistas, juegos y mucho más. El día 27 de mayo podréis seguir la entrevista que se realizará al especialista en Alexandre de Riquer, Eliseu Trenc.

Louis Comfort Tiffany (1848-1933) empleó a muchos diseñadores, pero sólo un puñado de estas personas fueron seleccionadas para trabajar en el departamento de esmaltes, al que los empleados de los Estudios Tiffany se referían con cierta envidia como la "pequeña Arcadia". La exposición muestra una docena de diseños en acuarela de estos artesanos de Tiffany.

Debido a la continua propagación del Coronavirus en todo el mundo, la junta directiva y la directora de la Fundación Iconic Houses se han visto obligados a reprogramar las conferencias y las visitas guiadas de este año. Después de una cuidadosa consideración, se considera que posponer el evento al 1 - 7 de junio de 2021 es la única opción viable. La inscripción se abre de nuevo el 1 de junio.

Viernes 11 de junio, el día en que se inaugura "Diseñar la novedad: Charles Rennie Mackintosh y el estilo Glasgow" en Nashville, Tennesse, el Museo Frist Art presenta una conferencia de Alison Brown, conservadora de Arte Decorativo y Diseño Europeo de los Museos de Glasgow y comisaria de la exposición.

A lo largo de 21 años, de 1896 a 1917, el arquitecto y diseñador Charles Rennie Mackintosh creó algunos de sus interiores y programas decorativos más imaginativos para los cuatro salones de té de Catherine Cranston, en el centro de Glasgow. El encargo le dio la oportunidad de experimentar un enfoque cada vez más sofisticado para los interiores, el mobiliario y los accesorios, desde murales misteriosos inspirados en el Art Nouveau y Japón y asientos icónicos de respaldo alto hasta espacios de comedor evocadores con gamas de colores que van del blanco y plateado a la cálida madera teñida, además de diseños de influencia china y una geometría audazmente colorida que anticipaba el ritmo del Art Déco. Su conjunto de salas de concepción más tridimensional, para el Salón de Té Willow (1903), alcanzó un nuevo nivel en la configuración de un interior como obra de arte total. Esta conferencia ilustrada presenta las singulares colaboraciones de Mackintosh con Catherine Cranston mediante fotografías de archivo y de objetos, con los conocimientos de la trastienda de los Museos de Glasgow sobre la conservación, reconstrucción y restauración de algunos de sus interiores de los salones de té que todavía existen en la calle Ingram.

Viernes 11 de junio | 18 h BST | 12 h EDT | vía Zoom, gratuito con reserva previa

El objetivo de la exposición es dar a conocer a las mujeres pintoras de finales del siglo XIX que dedicaron su carrera a pintar las flores del Modernismo catalán y que son poco conocidas. Nos referimos a las mujeres artistas que participaron en las exposiciones femeninas de la Sala Parés de Barcelona en los años 1896, 1897, 1899 y 1900.

En 1896, la Sala Parés organizó la primera exposición exclusivamente femenina, como ya se había hecho en Chicago poco antes. Participaron una gran variedad de mujeres artistas cuyo objetivo principal era darse a conocer al público.

Esas exposiciones femeninas de la Sala Parés fueron el punto de inflexión a partir del cual cada artista pudo elegir y proseguir su carrera, un punto de partida para "normalizar" la profesionalización de estas pintoras.

El tema más recurrente de esas muestras fueron las flores, que incluso merecieron un trato específico dentro del bodegón o naturaleza muerta. Ello se debía a que las mujeres que se matriculaban en la Escuela de Bellas Artes, la Llotja, tenían vetado el acceso a las clases de desnudo, lo que no facilitó que pudieran dedicarse profesionalmente a la figura o al retrato.

Estas artistas aprovecharon la oportunidad que la sociedad les ofrecía y "utilizaron" las flores como manifiesto de su arte. Dotadas para la composición y diestras con el color, algunas consiguieron unos resultados notables; otras, en cambio, tuvieron unas carreras más irregulares, y un grupo numeroso desapareció del panorama artístico después del matrimonio.

Comisariada por la historiadora del arte Consol Oltra, la muestra presenta las obras de estas mujeres, algunas de las cuales se expusieron en la Sala Parés hace más de cien años.

Esta exposición presenta una amplia y variada selección de las pinturas de Anglada Camarasa, con la idea de mostrar el conjunto desde una visión personal y romántica que evoca aquella disposición del Museo de Pollença. Una oportunidad única para acercarse a la obra de Anglada-Camarasa a través de una propuesta expositiva distinta a como se ha mostrado la obra en CaixaForum hasta ahora.

La exposición muestra las obras más destacadas de la extensa colección de arte austríaco del museo del periodo comprendido entre 1890 y 1940, incluidas las principales obras de Gustav Klimt, Oskar Kokoschka, Alfred Kubin y Egon Schiele.

En el ambiente de la magia de las flores del verano, el Museo de la Asociación Municipal de Instituciones Culturales de Riga "Centro de Art Nouveau de Riga" presenta una variedad de elegantes y coloridas flores representadas en obras de arte aplicadas en vidrio, porcelana y textiles de principios del siglo XX, así como en pinturas de artistas letones.

La amapola es una de las flores más bellas del verano, que ha sido apreciada por muchos artistas, especialmente durante el periodo Art Nouveau, como puede verse en esta exposición, que muestra unas 200 obras de arte.

Esta gran exposición ofrece una visión única de los procesos creativos de Rodin, destacando el papel crucial de la tiza en su práctica. La muestra evoca el ambiente informal de su taller, donde el visitante descubrirá piezas menos conocidas y nuevos aspectos de sus obras más emblemáticas.

2 artistas, 2 museos, 1 muestra

La exposición invita a una reinterpretación cruzada de las obras de Rodin (1840-1917) y Picasso (1881-1973), estos dos grandes artistas que cambiaron para siempre las prácticas artísticas de su tiempo para las generaciones futuras.No se trata de mostrar lo que Picasso tomó prestado de Rodin, sino de examinar las significativas convergencias que aparecen entre la obra de Rodin y varios periodos de la producción de Picasso.

Con esta exposición, la Mucha Trust Collection celebra la primera gran gira norteamericana en 20 años. La muestra presenta una amplia gama de carteles, ilustraciones, objetos ornamentales, y esculturas, fotografías y autorretratos raramente vistos. Otras obras de la colección de la NCMA destacan la interpretación estadounidense de la estética europea que influyó Mucha, así como su estrecha amistad con el escultor francés Auguste Rodin.

El Instituto Mathildenhoehe celebrará el 150 aniversario de Albin Müller (1871-1941) con la exposición "Albin Müller: Arquitecto, diseñador y profesor". La muestra hará hincapié en la profesión de Müller como arquitecto-diseñador y profesor entre los años 1900 y 1914.

El 150 aniversario de Müller coincide con el reconocimiento este año de Mathildenhoehe Darmstadt como Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Como fuente central de inspiración, el Mathildenhoehe Darmstadt ofreció a Müller oportunidades únicas para crear edificios y arte espacial a partir de 1906.

La exposición se centrará en Magdeburgo, otra ciudad en la que el artista alcanzó un gran éxito como profesor en la Escuela de Artes de 1900 a 1906, y como diseñador para varias empresas.

Albin Müller estableció un fructífero intercambio con colegas como Fritz von Heider, así como con antiguos miembros de la Colonia de Artistas de Darmstadt, entre otros: Peter Behrens y Paul Bürck. La exposición pone de manifiesto los fuertes vínculos entre las ciudades de Darmstadt y Magdeburgo como centros alemanes del movimiento reformista.

"Young Poland: un movimiento Arts and Crafts (1890 - 1918)" es la primera gran exposición que explora las artes decorativas y la arquitectura de Young Poland (Mloda Polska), un movimiento cultural extraordinario que floreció en respuesta a la invasión y ocupación de Polonia por parte de potencias extranjeras.

La muestra está organizada en colaboración con el Museo Nacional de Cracovia y el Instituto Cultural Polaco de Londres. Cofinanciado por el ministro polaco de Cultura, Patrimonio Nacional y Deporte.

El Museo del Modernismo de Barcelona reabre sus puertas con la exposición "París-Barcelona", una gran exposición centrada en nueve mujeres que destacaron en el panorama artístico de finales del siglo XIX y principios del XX.
Con más de 300 obras, la mayoría obras pictóricas, pero también esculturas, mobiliario y artes decorativas, la muestra ofrece una nueva visión de la relación entre ambas capitales, París y Barcelona. El recorrido se inicia con modelos como Madeleine de Boisguillaumen, Stéphanie Nantas, Clo-clo, Júlia Peraire y Germaine Gargallo, y se completa con la visión femenina de artistas como Suzanne Valadon, Georgette Agutte, Lucie Cousturier i Olga Sacharoff. Asimismo, intenta crear un diálogo entre las modelos, musas del momento, y los artistas que las inmortalizaron, como Ramon Casas, Santiago Rusiñol, Toulouse-Lautrec o Alphonse Mucha.

La publicació, que acompaña la muestra, realiza un repaso de la presencia femenina en el ambiente artístico y cultural del cambio de siglo. Los artículos ponen en valor las vidas de estas mujeres que en su mayoría han sido silenciadas o muy poco explicadas.

La muestra, que se podrá visitar en el Museo del Modernismo de Barcelona y en la propia galería Gothsland, ha sido organizada para conmemorar el 50 aniversario de la galería Gothsland, la empresa cultural de la familia Pinós-Guirao.

El último retrato femenino del icónico pintor vienés Gustav Klimt, Mujer con abanico, mira seductoramente y con una autoconfianza notable hacia lo lejos. Este cuadro vibrante se exhibe en Viena de nuevo después de más de un siglo. Se presenta al lado de otros ejemplos de las últimas obras de Klimt en una exposición especial en el Alto Belvedere.

La exposición ha sido prolongada has el 20 de febrero de 2022!

"Gaudí" es una exposición organizada por el Museo Nacional de Arte de Cataluña y el Museo de Orsay. Es una presentación de gran formato que reúne más de 650 objetos de arquitectura, diseño y mobiliario, obras de arte, documentación, planos y fotografías. Veinte años después de la celebración del Año Gaudí, esta exposición se aleja de los tópicos y propone una revisión completa de la trayectoria de Gaudí.

El Jugendstilforum de Bad Nauheim abre sus puertas al público con una exposición dedicada a la cerámica.

Entre los objetos de uso cotidiano producidos por el Jugendstil, los de cerámica tienen especial importancia, ya que podían producirse de forma económica y en serie. Muchas personas podían permitírselos y de este modo se extendieron las nuevas ideas de forma y decoración del Jugendstil, especialmente con este material, que es el centro de esta primera exposición.

Con motivo del 150 aniversario del nacimiento de Josef Hoffmann (1870-1956), la exposición documenta por primera vez de forma exhaustiva toda la obra de este arquitecto, diseñador, profesor y organizador de exposiciones, figura destacada de la modernidad vienesa y del movimiento internacional de reforma de la vida. Con su infatigable labor en el campo del diseño y de la enseñanza, Hoffmann cultivó un modelo ejemplar de estilos de vida modernos basados en una cultura de la construcción y del producto a la vez artesanal y artísticamente ambiciosa. La muestra presenta una selección representativa del diseño revolucionario de Hoffmann y de sus edificios más importantes, como la Casa Stoclet de Bruselas (1905-1911) o el Sanatorio Purkersdorf (1904-1905).

La exposición crea un rico panorama que ofrece una mirada única y compleja a la fascinación que ejerce la Viena de alrededor del año 1900 y la atmosfera vibrante de esta época. Se trata de una muestra semipermanente que abarca alrededor de 1.300 obras expuestas en tres plantas, y que presenta el esplendor y la riqueza de los logros artísticos e intelectuales de este período a través de obras maestras del Leopold Museum, así como de préstamos permanentes de colecciones austríacas e internacionales.