La gran variedad de obras expuestas permitirá al visitante realizar un recorrido por diferentes estilos europeos de finales del siglo XIX y principios del XX como el Modernismo, el Art Nouveau, el Liberty, la Secession o el Jugendstil, y descubrir las distintas sensibilidades con que los autores trataron el tema de la feminidad.

Esta importante exposición reúne 45 obras de Vincent van Gogh y nos revela cómo se inspiró en Gran Bretaña y como los artistas británicos se inspiraron en él.

Esta exposición arroja luz por primera vez sobre la obra de dieciocho mujeres diseñadoras y una fotógrafa de productos que trabajaron para los Deutsche Werkstätten a principios del siglo XX. Son artistas que han sido olvidadas a pesar de su actividad intensa en el diseño y la formación, en numerosas exposiciones y en concursos donde fueron ganadoras. Mujeres que trabajaron como diseñadoras de muebles, si bien a menudo solo se las formaba como maestras de dibujo, y generalmente sin un título que les permitiera acceder a la universidad en su época. Mujeres que trastocaron los roles sociales tradicionales y adquirieron autonomía y autodeterminación en sus vidas profesionales y sociales dedicándose a un terreno que previamente había estado reservado a los hombres. Estas mujeres no solo hicieron una aportación vital al éxito de aquellos talleres emergentes, sino que fueron además fundamentales en la promoción del movimiento de reforma en Alemania.

La muestra se adentra en el espíritu de una época marcada por la presencia del azul y de sus connotaciones. Se trata de un período, el de finales del siglo XIX y comienzos del XX, en que se constituye una poetización estética basada en la relación entre los paisajes, los fenómenos de la naturaleza y los estados anímicos. Esta correspondencia entre la naturaleza y el yo se inscribe en el proyecto de la modernidad, transita por el simbolismo y ve nacer el cinematógrafo.

Una vez terminado el periodo expositivo en Sevilla, la muestra se podrá visitar en otras dos ciudades españolas.

Actualmente se presenta en Liverpool la exposición itinerante que se organizó en 2018 en Glasgow para celebrar el 150 aniversario del nacimiento de uno de sus hijos más ilustres: el arquitecto, diseñador y artista Charles Rennie Mackintosh. El eje central de las celebraciones de la ciudad fue la exposición temporal de los Museos de Glasgow, aclamada tanto por la crítica como por el público, "Charles Rennie Mackintosh: creando el estilo Glasgow", que se presentó en la Galería de Arte y Museo Kelvingrove. Si alguien no tuvo ocasión de verla en Glasgow, todavía tendrá la oportunidad durante la gira, primero en Liverpool y luego recorriendo los Estados Unidos en los próximos años.

Para más información sobre la gira americana: www.amfedarts.org

La exposición itinerante "El Palacio de los Artesanos" permite descubrir -a través de las fotografías de Ramon Manent- las formas, piezas y estructuras singulares que están escondidas en cada estancia y rincón de este palacio urbano construido por el arquitecto Antoni Gaudí en finales del siglo XIX.

La exposición muestra la influencia de Antoni Gaudí en la obra de Miró a través del conjunto de grabados Serie Gaudí, 21 piezas de varios tamaños protagonizadas por personajes fantásticos con las que Miró le rindió homenaje a mediados de los años setenta. Miró se interesa por el ritmo y la estructura de la arquitectura gaudiniana, y comparte con el arquitecto el cuestionamiento de los procedimientos y los materiales de expresión y un vínculo profundo con la naturaleza, generadora de sus creaciones. El tratamiento del color y el uso de líneas curvas en los grabados recuerdan la técnica del trencadís, realizada con trozos de cerámica reutilizados, característica de la obra de Gaudí.

Esta exposición se propone recuperar la obra de un pintor catalán que en vida cosechó un gran éxito, pero que el inexorable paso del tiempo, y con él las diferentes generaciones historiográficas, dejaron en el olvido.

La muestra ofrece un recorrido por la obra de Antoni Fabrés i Costa (1854 - 1938), escultor y pintor, que con veintiún años y siendo alumno de la Escola Llotja de Barcelona, ganó una pensión para ir a Roma, la ciudad que entonces era el destino natural para los artistas que destacaban. Al llegar allí, un año después de la muerte de Mariano Fortuny, Fabrés se dedicó al dibujo, a la pintura y a la acuarela, tres técnicas que dominó como nadie en su época.

Para conmemorar el centenario de la fundación de la Bauhaus, el Instituto Mathildenhöhe presenta una exposición que quiere destacar la importancia de la Bauhaus y la arquitectura posterior a la Segunda Guerra Mundial. La exposición de la Colonia de Artistas de Darmstadt de 1901 fue la primera muestra permanente de arquitectura moderna del mundo y desde entonces ha influido en numerosos proyectos expositivos y de urbanismo. Fueron principalmente los miembros de la Colonia Joseph Maria Olbrich y Peter Behrens quienes presentaron nuevas ideas en Darmstadt a través de su arquitectura encarada hacia el futuro y su diseño holístico, que luego seguirían desarrollándose en el Werkbund, del que ambos fueron fundadores, y posteriormente en la Bauhaus. No es casual que los directores de la Bauhaus Walter Gropius y Ludwig Mies van der Rohe hubieran trabajado los dos en el estudio de Peter Behrens al inicio de sus carreras y hubiesen podido observar cómo el arquitecto fusionaba artesanía, diseño creativo y fabricación a gran escala. Después de 1945, el legado de la Colonia de Artistas de Darmstadt fue fuente de inspiración para que la ciudad destruida por la guerra se reconstruyera como centro de la arquitectura y el diseño modernos, una iniciativa que conllevaría la construcción de varias Meisterbauten (obras maestras arquitectónicas) diseñadas por arquitectos de renombre como Max Taut, Otto Bartning y Ernst Neufert.

Esta exposición en honor del 150 aniversario del pintor noruego Harald Sohlberg (1869-1935) es la primera retrospectiva del artista que se presenta en el continente europeo. Sohlberg, contemporáneo y amigo de Edvard Munch (1863-1944), es conocido sobre todo por su gran obra Noche de invierno en Rondane, producida entre 1899 y 1944. La pintura captura todavía hoy el alma de los noruegos y fue votada por los ciudadanos como el cuadro más popular del país en la década de 1990. Este icono del arte noruego, que nunca había sido prestado desde que fue adquirido en 1918 por el Museo Nacional de Oslo, podrá ahora contemplarse en Wiesbaden.

Con motivo del 70.º aniversario de la muerte de Otto Prutscher, esta exposición destaca la importancia de su obra para el desarrollo de la Era Moderna vienesa. La muestra está dedicada a la asociación de Josef Hoffmann (1870-1956) con Otto Prutscher (1880-1949). Arquitecto y diseñador, igual que Hoffmann, Prutscher fue experto en todos los materiales utilizados en las artes aplicadas. Era diseñador de exposiciones, maestro y miembro de los principales movimientos de reforma artística desde la Secession a los Wiener Werkstätte y el Werkbund.